El tema central de este Blog es LA FILOSOFÍA DE LA CABAÑA y/o EL REGRESO A LA NATURALEZA o sobre la construcción de un "paradiso perduto" y encontrar un lugar en él. La experiencia de la quietud silenciosa en la contemplación y la conexión entre el corazón y la tierra. La cabaña como objeto y método de pensamiento. Una cabaña para aprender a vivir de nuevo, y como ejemplo de que otras maneras de vivir son posibles sobre la tierra.

viernes, 22 de noviembre de 2019

El artista David Milne y su cabaña

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David Milne (artista)

De Wikipedia, la enciclopedia libre
David Milne
DavidMilne1909.jpg
Milne en su estudio de la ciudad de Nueva York, 1909
Nacido
David Milne

8 de enero de 1882
Burgoyne , Ontario, Canadá
Murió26 de diciembre de 1953 (71 años)
Bancroft , Ontario, Canadá
Nacionalidadcanadiense
EducaciónLiga de estudiantes de arte de Nueva York
Conocido porPintura
David Milne (8 de enero de 1882 - 26 de diciembre de 1953) fue un pintor, grabador y escritor canadiense .

Biografía [ editar ]

David Milne nació en el pueblo de Burgoyne (cerca de Paisley ), en el suroeste de Ontario, en 1882. Fue el último de 10 hijos de padres inmigrantes escoceses. Su primera educación fue en Paisley, seguido de la escuela secundaria en Walkerton ; tuvo un buen desempeño en la escuela y poco después de graduarse comenzó a enseñar en una escuela rural cerca de Paisley. Durante 1902 y 1903 estudió arte por correspondencia, y finalmente decidió mudarse a la ciudad de Nueva York en 1903 a la edad de 21 años. [1]
En Nueva York, pasó dos años (y un tercer año de escuela nocturna) estudiando en la Art Students League . Tenía cinco pinturas expuestas en el Armory Show de 1913, y también estuvo representado por la NE Montross Gallery (igual que 'The Eight' o Ashcan School artistas). [2] En 1912, se casó con Frances May (conocida como Patsy) y luego se mudaron a Boston Corners , una pequeña aldea donde Milne pintó con óleos y acuarelas. [3]Milne dejó Boston Corners en 1917 para recibir entrenamiento básico en Toronto para la Primera Guerra Mundial. Fue destinado en Quebec y luego puesto en cuarentena en Inglaterra durante un mes, tiempo durante el cual terminó la Primera Guerra Mundial. Debido a su experiencia como artista, se le pidió que completara pinturas y dibujos como artista de guerra. Milne produjo obras de arte de campos de batalla en Francia y Bélgica, así como de soldados en Kinmel Park Camp en Inglaterra. [4]
Entre los años de 1919 y 1929, Milne vivió en Boston Corners y sus alrededores, centrando su trabajo artístico en el paisaje. En 1929, Milne regresó a Canadá para pintar en Temagami , Weston y Palgrave . Se separó de su esposa en 1933, se mudó a Port Severn , Ontario y vendió muchas de sus pinturas a los destacados mecenas del arte Vincent Massey y Alice Massey . [5] A finales de la década de 1930, Milne se estableció en Uxbridge, Ontario con Kathleen Pavey, una enfermera, y los dos tuvieron un hijo (también David) en 1941. Durante los últimos años de su vida, Milne trabajó nuevamente en acuarelas y cambió su tema a inspiraciones más caprichosas, fantásticas e infantiles. Continuó viajando a Algonquin Park y Baptiste Lake para pintar el paisaje canadiense. [6]
El 14 de noviembre de 1952, Milne tuvo un derrame cerebral. Durante el año siguiente continuó sufriendo pequeños accidentes cerebrovasculares y murió en el hospital de Bancroft , Ontario, el 26 de diciembre de 1953.

Arte y técnica [ editar ]

David Milne trabajó predominantemente en pintura al óleo , acuarela y grabado en seco . Al igual que el Grupo de los Siete , Milne eligió principalmente el paisaje como tema; sin embargo, su enfoque sobre este tema fue considerablemente menos "impresionista" que el del Grupo y tenía un sentimiento más "modernista". Milne fue influenciado en parte por los modernistas europeos y estadounidenses exhibidos a través de la galería de Alfred Stieglitz , 291. [2] También se esforzó por desarrollar su propio estilo particular que era rígido pero hermoso y muy expresivamente realizado.
Milne eligió temas simples y ordinarios que imbuyó con dignidad y significado. Sus paisajes y bodegones revelan un sentido decorativo y fluidez táctil. Su uso frecuente del negro en sus pinturas es un rasgo característico. A menudo, un tipo de objeto, los árboles, por ejemplo, se representan en negro en una parte de la imagen y en blanco en otra creando una tensión interna intrigante en el trabajo. Para Milne, el blanco era una extensión de la paleta, una forma de expresar la quietud del paisaje que estaba viendo. Tanto en sus técnicas de acuarela como de pintura al óleo, Milne fue experimental en su enfoque. Prestó especial atención a la composición, pero también a las cualidades de línea, color y textura que se revelaron en su trabajo.
James Clark, un amigo, partidario y mecenas de Milne, le envió una prensa de grabado mientras estaba en Boston Corners en 1926, y Milne pudo experimentar con el grabado de formas nuevas e inusuales. Desarrolló un método para hacer puntos secos de color, imprimiendo un color sobre otro con diferentes placas para cada uno. Milne había intentado primero el grabado y la punta seca mientras estudiaba en la Art Students 'League y su idea de la punta seca en color no tenía precedentes, ya que la tradición era usar solo el blanco y el negro del papel. Había pensado en crear puntos secos de color años antes, pero carecía del equipo para llevar a cabo sus experimentos, ya que la técnica de grabado requiere placas de metal que se rayan o graban, luego se entintan, se limpian y finalmente pasan por una imprenta. [7] Milne tardó muchos meses en lograr el aspecto escasamente en capas que imaginó con sus impresiones, pero los resultados fueron muy convincentes.
En sus últimos años, Milne comenzó a experimentar con contenido muy alejado de los paisajes simples, aunque muy originales, que conforman la mayor parte de su obra. Aunque había defendido una estética pura en sus años más jóvenes (insistiendo en que el contenido de una pintura era meramente secundario), continuó produciendo una serie de obras que invitan a una interpretación alegórica. El lienzo dejado en su caballete en el momento de su muerte mostraba a un grupo de ángeles divirtiéndose infantilmente con cosméticos comprados a un vendedor ambulante.

Reconocimiento y legado [ editar ]

El crítico de arte estadounidense Clement Greenberg describió a Milne como uno de los tres mejores artistas norteamericanos de su generación. Aunque fue eclipsado por el Grupo de los Siete durante su carrera, Milne ahora es reconocido como uno de los artistas más destacados de Canadá. Después de su muerte, la Galería Nacional de Canadá organizó una retrospectiva de su trabajo (1955–56), y luego se mostró otra retrospectiva en Toronto en Hart House en 1962. En 2005, una exhibición de las acuarelas de Milne viajó del Museo Británico al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y luego a la Galería de Arte de Ontario . [8]
En 1952, las obras de Milne junto con las de Emily Carr , Goodridge Roberts y Alfred Pellan representaron a Canadá en la Bienal de Venecia . [9]
En junio de 1992, Canada Post emitió 'Red Nasturtiums, David B. Milne, 1937' en la serie Masterpieces of Canadian Art. El sello fue diseñado por Pierre-Yves Pelletier basado en una pintura en la Galería Nacional de Canadá, Ottawa, Ontario. [10]
En una exposición de 2018 de su trabajo en la Dulwich Picture Gallery de Londres , el crítico Jonathan Jones lo calificó como una de cinco estrellas, "muy poca señal de desarrollo ... vergonzosamente repetitivo". [11] El crítico de arte Mark Hudson le otorgó 4 estrellas de 5 y escribió: "Prefiero tener arte menor como este, que te lleve a un lugar donde nunca has estado y desde una perspectiva intensamente personal, que gran parte de lo repetitivo, El trabajo convencionalmente "desafiante" fue desempeñado como importante por las grandes galerías ". [12] La escritura de Florence Hallett en The Economist dijo: "El canadiense sorprendentemente original usó pintura con moderación pero con un efecto dramático". [13]

Ver también [ editar ]

Referencias [ editar ]

Citas [ editar ]

  1. ^ Silcox (2005) , p. 11)
  2. ^ Salte a:a b Silcox (2005) , p. 12)
  3. ^ Silcox (2005) , p. dieciséis.
  4. ^ Silcox (2005) , pp. 21, 25.
  5. ↑ Silcox (2005) , pp. 39-44, 52.
  6. ^ Silcox (2005) , p. 54)
  7. ^ Silcox (1996) , pp. 190-1991.
  8. ^ Silcox (2005) , p. 62)
  9. ^ "Exposiciones canadienses pasadas" . Galería Nacional de Canadá en la Bienal de Venecia . Galería Nacional de Canadá. Archivado desde el original el 13 de octubre de 2013 . Consultado el 12 de octubre de2013 .
  10. ^ Sello de correos de Canadá
  11. ^ Jones, Jonathan (14 de febrero de 2018). "Reseña de David Milne: ¿uno de los mejores pintores de Canadá? ¡Fuera!" . El guardián . Consultado el 14 de febrero de 2018 .
  12. ^ Hudson, Mark (23 de febrero de 2018). "Un compromiso crudo con la tierra - David Milne, Dulwich Picture Gallery, revisión" . El telégrafo .
  13. ^ Hallett, Florencia (02 de marzo de 2018). "La tierra de incógnita de David Milne" . Revista 1843 . Consultado el 31 de mayo de 2018 .

Fuentes [ editar ]

  • King, James (2015). Lugares interiores: la vida de David Milne . Toronto: Dundurn. ISBN 978-1459729070.
  • Lochnan, Katharine, ed. (2005) David Milne Watercolors, Pintura hacia la luz . Berkeley, CA: Douglas y McIntyre. ISBN 978-1553651000.
  • Milroy, Sarah; Dejardin, Ian AC, eds. (2018) David Milne: pintura moderna . Londres: Philip Wilson Publishers. ISBN 978-1781300619.
  • O'Brian, John (1983). David Milne y la tradición moderna de la pintura . Toronto: Coach House Press.
  • Reid, Dennis, ed. (1988) Una historia concisa de la pintura canadiense (2ª ed.). Toronto: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-540663-4.
  • Silcox, David P. (1996). Lugar de pintura: la vida y obra de David B. Milne . Toronto: University of Toronto Press. ISBN 0-8020-4095-0.
  • Silcox, David P. (2005). David Milne: una introducción a su vida y arte . Richmond Hill: Firefly Books. ISBN 1-55297-755-2.
  • Thom, Ian M. (1991). David Milne . Vancouver: Douglas & McIntyre Ltd.

Enlaces externos [ editar ]








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viernes, 1 de noviembre de 2019

La cabaña de Maud Lewis

Maud Lewis: la vida triste y la luminosa obra de la pintora que a pesar de la artritis llegó a la Casa Blanca.

Los únicos amores de la artista folk canadiense fueron los pinceles y su marido, un tosco y huraño vendedor de pescado. Su historia fue interpretada en el cine por Sally Hawkins y se convirtió en un ejemplo de pasión por el arte.
Por Alfredo Serra
Maude Lewis
Puestos todos los datos de ella y él en las entrañas de una computadora de última generación operada por un mayor experto en cálculo de probabilidades, el resultado habría sido cero: imposibilidad total de que fueran una pareja, un matrimonio legal, y menos de que vivieran juntos hasta la muerte de ella…

Porque la dama, Maud Dowley (Maudie de apodo), nacida el 7 de marzo de 1903 en South Ohio, Nova Scotia, Canadá, estaba condenada de antemano por la implacable artritis reumatoide desde apenas el fin de su adolescencia, que lentamente le deformaría las manos, las piernas y la espalda, convirtiéndola en una fotografía de la desdicha… Una lisiada de rasgos cercanos a la fealdad, y apenas iluminados por una conmovedora sonrisa de inocencia.

Pasó pocos años en las aulas: el bullying fue despiadado. La crueldad sin límite de los niños frente al distinto. Crueldad que no fue menor en su familia. John Dowley y Agnes Germain, sus padres, murieron en 1935, su hermano Charles vendió la casa paterna, y el desamparo la empujó a vivir con su tía Ida, que no era un ángel de bondad: le arrebató su único hijo, lo vendió a una familia vecina, y le dijo a Maudie que el bebé nació deformado y murió a las pocas horas.



Una mañana de fines de diciembre de 1937 lee un anuncio repetido en varias vidrieras: "Se busca mujer para limpieza con residencia incluida para un hombre de cuarenta años". El hombre es Everett Lewis, un vendedor ambulante de pescado. Tosco, huraño, de mínima instrucción y menos palabras. Vive en una pequeña casa de madera –escasos doce metros cuadrados–, sin electricidad y sin vecinos a la redonda, en la entonces solitaria comarca de Marshalltow. Un desolado páramo que, en invierno, la nieve perpetua transforma en una sucursal de la nada…

Pero Maudie aparece en la puerta y acepta el trabajo. La casucha tiene una sola cama. Ergo, deben compartirla. En los primeros días no hay sexo, pese a los esfuerzos de ella. Everett llega a decirle que antes le haría el amor a un árbol. Pero Maudie se ha enamorado de esa especie de troglodita con el que convive día y noche, y le pide –le ruega– que se case con ella.

Y sucede. El 16 de enero de 1938 se casan sin pompa alguna: ella, acaso su único vestido, y él, un traje desempolvado de un baúl, anticuado y no demasiado limpio. Y en la escena, unos pocos vecinos, unos pocos aplausos, algún ¡Vivan los novios!



Maude y Everret Lewis



Pero a Maudie, además de un singular marido, le aparece la justificación de su presencia en la tierra: el arte. Desde chica, influida por su madre, aprendió a pintar a la acuarela tarjetas de Navidad que vendían por 25 centavos. Y siguió, y creció. Empezó a acompañar a Everett en sus recorridas, y al pescado fresco se sumaron sus hallazgos folk, preludio del naïf: paisajes, hojas, flores, animales (caballos, bueyes, pájaros, ciervos, gatos, barcos, trineos, patinadores de hielo). Lo que veía…



Obsesiva, y al principio a regañadientes de Everett, pintó todo el interior de la casa. Paredes, puertas, ventanas, y hasta la estufa. Lentamente, su arte, de engañosa simpleza, colores puros –no los mezclaba–, ausencia de sombras y el cartel en la puerta de la casa anunciando "Cuadros en venta", ya no por centavos sino por dólares, despertó la codicia del pescador: le compró pinturas y, más que la animó, la obligó a no despegarse del banco y el tablero de trabajo.

Fin del conflicto. Porque en los primeros años, Everett la acusaba de jugar con pinturitas mientras él se deslomaba recorriendo kilómetros con su desvencijada camioneta cargada de pescados. El hombre trabajador y la niña juguetona, en fin. La ignorancia frente a la creación, hasta que las cuentas no sólo se equilibraron, y los peces del mar pintados al óleo recaudaron más que los atrapados en la red.

Interior de la cabaña

Pero la artritis, asesina silenciosa, seguía su trabajo. Las deformidades de Maudie se agudizaron. Sus dedos se curvaron y se tornaron rígidos. Sólo podía pintar con una mano sostenida a duras penas por la otra. 

Fiel al pequeño formato (20 x 25 centímetros), sólo pintó unas cinco obras de 60 x 60. No por decisión artística: porque sus brazos podían extenderse cada vez menos. 

Pero los turistas que se acercaban a la cabaña para conocer a la artista y comprar sus cuadros se multiplicaron en progresión inversa a la incapacidad física de Maudie. De pronto, en 1964, periodistas de la revista Toronto Star Weekly cruzaron el páramo para hacerle la nota a esa singular mujer casi tan pequeña como un niño, atormentada por su enfermedad, y camino a la fama. 





Un año después, el boom. Maudie fue la estrella invitada de un programa prime time de la cadena CBC Television y los pequeños cuadros pasaron de los primeros centavos a los diez dólares. Y en 1970, la Casa Blanca, presidencia de Richard Nixon compró dos cuadros de obras de Maudie ¡en 16 mil dólares!, porque su temporal habitante era fanático de ella.



Poco antes de morir, luego de abandonar la cabaña por una feroz pelea con Everett, y en la casa de su tía, le fue revelada la verdad más desgarradora: su hija no nació deforme ni murió. Fue entregada, vendida a un matrimonio de la cercanía, y Maudie la vio de lejos: una sana y rebosante mujer en su jardín.


El film Maudie, el color de la vida, de 2016, con Sally Hawkins y Ethan Hawke, dirigida por Aisling Walsh, ganó siete importantes premios

Quizá fue el golpe de gracia. Everett, triste por su ausencia –tristeza tal vez no ajena al dinero que entraba–, fue a buscarla y le confesó a su manera, mezcla de palabras y gruñidos, que no podía vivir sin ella. Tarde. El 30 de julio de 1970, a sus 67 años, no pudo sobrevivir a una pulmonía.

Sus últimas palabras, susurradas a Everett, fueron "Fui amada".
La sepultaron en un ataúd para niños. 
Nueve años después, Everett murió en su cabaña, de un balazo disparado por un ladrón. 

 

Retrato de Eddie Barnes y Ed Murphy, pescadores de langostas



En 2017, una pintura de Maudie (Retrato de Eddie Barnes y Ed Murphy, pescadores de langostas) hallada en una tienda de objetos de segunda mano en Ontario, se vendió en subasta por 45 mil dólares.

(Post scriptum: en 1996, apareció el primer libro sobre su vida, titulado La luminosa vida de Maud Lewis, del escritor Lance Woolaver. Le fueron dedicados tres documentales de la National Film Board of Canada. El film Maudie, el color de la vida, de 2016, con Sally Hawkins y Ethan Hawke, dirigida por Aisling Walsh, ganó siete importantes premios. En 1984, la cabaña de la pareja, restaurada, fue comprada por la provincia de Nueva Escocia y quedó para siempre en la galería de arte local. En Marshalltown y en su lugar original, se levantó una réplica en acero de las mismas medidas, diseñada por el arquitecto Brian MacKay-Lyons. No es poco in memoriam de esa chica solitaria, enferma y maltratada que vendía postales a la acuarela en vísperas de Navidad).






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martes, 29 de octubre de 2019

Le Cabanon de Le Corbusier


Le Cabanon. El mítico refugio de 16 m2. que Le Corbusier diseñó como su paraíso

Crédito: Olivier Martin Gambier


Uno, dos, tres, cuatro: cuatro pasos, a lo sumo cinco. Esa es toda la distancia que se puede recorrer dentro de Le Cabanon, considerada un monumento de la modernidad y, sin embargo, parte del capítulo menos difundido de la carrera de Le Corbusier: el conjunto de construcciones que el arquitecto suizo realizó en Roquebrune-Cap-Martin, el lugar que eligió para su retiro en la Costa Azul francesa.

Fue el 30 de diciembre de 1951, día del cumpleaños de su mujer, que, sentado a la mesa de un barcito de la zona, se puso a dibujar los planos. "Estoy tan satisfecho con mi cabaña que seguramente decida morir aquí", le dijo a un amigo, el fotógrafo húngaro Brassaï, en agosto del año siguiente, cuando estuvo terminada.

Aplicando su teoría sobre las medidas del hombre, el "Modulor", y la relación con su espacio vital, Le Corbusier construyó para sí esta cabaña modesta solo en apariencia: muy pronto se convertiría en un ícono de la arquitectura moderna


Crédito: Olivier Martin Gambier

Lo esencial se hace visible: un lavatorio separado de una de las dos camas por un armario, una mesa y dos cajones como asientos. Con su ojo de artista, el maestro hizo ventanas mínimas para enmarcar elementos específicos del paisaje como en un cuadro vivo. 

De a poco se fueron haciendo más frecuentes sus temporadas en ese paraíso propio, muy cerca de una playa de canto rodado a la que llegaba bajando entre las rocas varias veces al día. Una tarde soleada de 1965 lo sorprendió un ataque al corazón, tal como lo había predicho, junto al agua cristalina del Mediterráneo. Hoy, a pesar del tiempo, el retiro del genio sigue siendo una obra innovadora, con sus refinados 16m2 diseñados para poner a prueba el espacio mínimo indispensable con un enfoque ergonómico y funcional, y sin jamás dejar de lado la belleza.


Crédito: Olivier Martin Gambier


 Impresionan la calidad del espacio interior y los climas que generan el uso magistral de los materiales, la luz que enciende el piso pintado de amarillo y la trama en el cielo raso en franca referencia a Mondrian y Kandinsky, dos precursores del arte abstracto.

Imagen de archivo de la Fundación Le Corbusier.

Bocetos de Le Cabanon, el refugio de Le Corbusier con sus refinados 16m2. Cuarenta y cinco minutos le llevó a uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX plasmar en papel las coordenadas definitivas de su utopía personal.

En esta estructura con revestimiento de troncos diseñada al milímetro, el hombre es la medida de todas las cosas: tiene 3,66x3,66m y la altura de una persona promedio con el brazo levantado, 2,66m, dimensiones surgidas de su propio invento: el "Modulor".

Sol, espacio y árboles: los he reconocido como materiales fundamentales del urbanismo, portadores de las alegrías esenciales Le Corbusier. "Cuando las catedrales eran blancas"

Después, el mito. Y una cabañita de madera que seguirá en pie como justo homenaje a quien se atrevió a soñar una arquitectura que pudiera unir a todos y cada uno de los hombres con la naturaleza.

Crédito: Olivier Martin Gambier


Ni cocina, ni ducha. Le Corbusier contaba con los servicios de L'Étoile de Mer, el restaurante de su amigo Thomas Rebutato. Y con la inmensidad del mar.





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El último refugio para un artista




El último refugio para un artista



Situado en un lugar aislado y rodeado por una imponente naturaleza, esta residencia en Noruega es el sueño de cualquiera


SOFÍA SOLÁNS / FOTOS: PASIAALTO


El cielo y el mar como inspiración.

El músico y compositor de jazz noruego Håvard Lund tenía un sueño por cumplir que se había convertido en casi una obsesión: crear la residencia de artistas más bella del mundo. La primera vez que pisó la isla de Fleinvær, al norte de Noruega, supo que aquel emplazamiento sería el escogido para hacer realidad sus anhelos.


El lugar está totalmente aislado del tumulto urbano.

El lugar debía servir para que músicos, artistas y cualquier alma creativa pudieran pasar temporadas de inmersión artística. Allí podrían alquilar habitaciones, ensayar y compartir experiencias, rodeados por un impresionante paisaje aislado de la vida urbana y envuelto por el gélido mar.


El proyecto de TYIN y Rintala Eggertsson Architects estuvo completamente abierto a la participación.

Lund se asoció con los arquitectos del estudio TYIN, que dado la dificultad del proyecto al que se enfrentaban decidieron contar también con la ayuda de Rintala Eggertsson Architects, igual o más innovadores que ellos; sumaron su experiencia trabajando en proyectos con condiciones climáticas adversas. Entre todos decidieron que el proyecto estaría absolutamente abierto a la participación y contaron con especialistas y artistas que intervinieron en cada fase.


Se respetaron al máximo la fauna y flora del lugar.

Las delicadas condiciones del lugar hicieron obligatorio un exhaustivo estudio del sitio que se realizó junto a los estudiantes de la Universidad Noruega de Ciencia y Tecnología. Para que la interferencia con el terreno fuera lo menor posible se decidió dividir el proyecto en varias construcciones aisladas. La vegetación existente se respetó al máximo como principio, pues cualquier modificación implicaba años para volver a crecer en esa atmósfera. Además está un punto estratégico de anidación de gaviotas, por lo que resultaba relevante que las intervenciones no afectaran a la actividad de los animales.


Una sauna sobre un muelle recibe a los visitantes en el refugio soñado por el músico y compositor de jazz noruego Håvard Lund.

El proyecto comprende una serie de volúmenes que descienden la colina hacia el mar. A los visitantes que llegan en barco les recibe una sauna sobre el muelle. Una antigua sala de espera de los muelles se ha reformado para alojar a los huéspedes durante la noche. También hay cuatro pequeñas unidades para dormir que se reparten en la ladera de la colina, una sala de conciertos y la cantina.


Sala de inmersión situada en lo alto de la colina.

En la cima de la colina se diseño una interpretación contemporánea del almacén tradicional del pueblo sami: el njalla, levantada sobre el tronco de un árbol. El edificio mira al espectacular paisaje por encima del resto, está pensado como un lugar para la reflexión y la inmersión.


En los revestimientos de este refugio de Håvard Lund se emplearon materiales reciclados.

Las fachadas se han revestido con materiales reutilizados de otras construcciones, además de por las ventajas que ofrece el reciclaje, esta condición es casi imperativa en el proyecto pues por logística resulta complicado llevar materiales hasta el lugar del terreno.

Håvard Lund.jpg

Håvard Lund (nacido el 20 de octubre de 1970 en Gildeskål , Noruega ), es un músico de jazz noruego ( clarinete y saxofón) y compositor, conocido por una serie de grabaciones y colaboraciones con músicos como Anja Garbarek , Vigleik Storaas , Steinar Raknes , Håkon Mjåset Johansen , Farmers Market , Frode Fjellheims Jazzjoik Ensemble, que luego se convertiría en Transjoik , Trygve Seim Ensemble y Trondheim Jazz Orchestra . [1] [2]




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