Georgia O'Keeffe. Cabin to my Heart

Georgia O'Keeffe (1887-1986)
Photograph of Georgia O'Keeffe by Alfred Stieglitz in 1918.

#Georgia O’Keeffe #Maria Chabot #Maurice Grosser

“Georgia O’Keeffe hitching a ride to Abiquiu, Ghost Ranch, 1944″ AKA ”Women Who Rode Away.” –Image by Maria Chabot @Georgia O’Keeffe Museum. The painter, Maurice Grosser, visited his friend O’Keeffe’s ranch in 1944. Maria Chabot photographed O’Keeffe and Grosser on his 1938 Harley-Davidson Knucklehead. It’s an amazing image that celebrates denim, machine, and the joy of the open road. That look on O’Keeffe’s face says it all. 

GEORGIA O'KEEFFE HOME AND STUDIO AT ABIQUIU

Georgia O'Keeffe is one of those artists I loved during high school because she painted beautiful flowers, turned away from in college because I would never like anything as uncool as those stupid flowers, then rediscovered in grad school when I realized she was one hell of an inspirational woman (she continued to produce work well into her 90s). O'Keeffe truly loved living and working in New Mexico, and no wonder - just look at that view from her large studio window. Open, minimal, and stunning, just like her studio/home. 

Georgia O'Keeffe - John Loengard

Photo: Herbert Lotz; Abiquiu House Studio, 2007; copyright Georgia O'Keeffe Museum, reprinted by permission

 Estudio y casa de Georgia O'Keeffe en Nuevo México. La habitación sin techo con  esculturas de O'Keeffe

Photo: Herbert Lotz; Abiquiu House Studio, 2007; copyright Georgia O'Keeffe Museum, reprinted by permission

Georgia O'Keeffe

Retrato de of Georgia O'Keeffe por Alfred Stieglitz, 1918.

Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de noviembre de 1887 - Santa Fe, Nuevo México - 6 de marzo de 1986), fue una artista estadounidense. Fue pionera en el campo de las artes visuales y famosa residente de Nuevo México.

Hija de Francis Calyxtus O'Keeffe y Ida Totto O'Keeffe, nació en Sun Prairie, Wisconsin en una familia de granjeros. Estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte en Nueva York. Ejerció como profesora en Amarillo, Texas en 1914, y en 1916 en Carolina del Sur.Trayectoria 

No salió de los Estados Unidos hasta que fue anciana y por eso se le considera la primera artista puramente estadounidense.

Mientras estaba en Carolina del Sur, un amigo suyo mostró algunos de sus trabajos a Alfred Stieglitz, fotógrafo y dueño de una galería de arte, quien quedó impresionado por su trabajo. Luego de algunas negociaciones, O'Keeffe autorizó a Stieglitz para exhibirlos. Stieglitz quedó especialmente impresionado por sus pinturas de paisajes del Oeste americano. Él vivió con O'Keeffe por un tiempo cuando regresó a Nueva York, pero ella quiso viajar al oeste y Stieglitz no compartía sus planes. Durante su estancia en Nueva York, O'Keeffe conoció a los grandes modernistas americanos, Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, Paul Strand y Edward Steichen.

O'Keeffe pasó mucho tiempo en Taos, Nuevo México, y luego de fallecer Stieglitz en 1946, se estableció allí hasta el día de su muerte, a los 98 años.

Es conocida principalmente por sus paisajes y pinturas de flores del desierto. Sus cuadros de flores se interpretan a menudo como yónicos y los contornos difuminados de sus obras evocan imágenes abstractas.

En 1997 recibió la Presidential Medal of Freedom1

(Fuente: wikipedia)

Log Cabin Amid Beautiful Scenery in Abiquiu, New Mexico. 

In Abiquiu, where Georgia O'Keeffe called home for many years. It would be easy to get inspired in such a place. 

Georgia O' Keeffe's Ghost Ranch near Abiquiu, New MexicoCabin at the entrance to Ghost Ranch.
The cabin is rumored to have been built in the 1930s and once inhabited by Georgia O’Keeffe. 

Georgia O´Keefe, The shell

“Si uno mira detenidamente una flor, tiene todo el mundo delante suyo”.

”A toda forma natural, a toda roca, a todo fruto o flor,/ incluso a las piedras sueltas que cubren el camino/ les concedí una vida espiritual, las vi sentir,/ asocié con ellas un sentimiento (…)”’

Georgia O'Keeffe

About the Painter

Among the great American artists of the 20th-century, Georgia O’Keeffe stands as one of the most compelling. For nearly a century, O’Keeffe’s representations of the beauty of the American landscape were a brave counterpoint to the chaotic images embraced by the art world. Her cityscapes and still lifes filled the canvas with wild energy that gained her a following among the critics as well as the public. Though she has had many imitators, no one since has been able to paint with such intimacy and stark precision.

Georgia O’Keeffe was born in Sun Prairie, Wisconsin in 1887. The second of seven children, O’Keeffe longed to be an artist from an early age. In 1905 she attended the Art Institute of Chicago and a year later went to study at the Art Students League of New York. Though her student work was well received she found it unfulfilling, and for a short time abandoned the fine arts. She worked briefly as a commercial artist in Chicago before moving to Texas to teach. During the summer of 1915, O’Keeffe took classes at the Teachers College of Columbia University in South Carolina, and there began her re-entry into the world of painting.

Teaching in South Carolina was Arthur Dow, a specialist in Oriental Art. Dow’s interest in non-European art helped O’Keeffe move away from the forms she had found so stifling in her previous studies. She said of him, “It was Arthur Dow who affected my start, who helped me to find something of my own.” Soon after O’Keeffe’s return to Texas, she made a handful of charcoal drawings, which she sent to a friend in New York. The friend, Anna Pollitzer, showed them to Alfred Stieglitz, a photographer and gallery owner. He was enthused with the vibrant energy of the work, and asked to show them. So, without her knowledge, Georgia O’Keeffe had her first exhibition in 1916 at Steiglitz’s “291 Gallery.”

Within two years, Steiglitz had convinced O’Keeffe to move to New York and devote all of her time to painting. His regular presentations of her work had begun to cause a buzz, and create for a her a small following. Six years later the two were married, beginning one of the most fruitful and well-known collaborations of the modernist era. For the next twenty years the two would live and work together, Steiglitz creating an incredible body of portraits of O’Keeffe, while O’Keeffe showed new drawings and paintings nearly every year at the gallery. Living in Lake George, New York, and in New York City, O’Keeffe painted some of her most famous work. During the 1920s, her large canvasses of lush overpowering flowers filled the still lifes with dynamic energy and erotic tension, while her cityscapes were testaments to subtle beauty within the most industrial circumstances.

In 1929 O’Keeffe took a vacation with her friend Beck Strand to Taos, New Mexico. The trip would forever alter the course of her life. In love with the open skies and sun-drenched landscape, O’Keeffe returned every summer to travel and to paint. When Steiglitz in 1946 died, O’Keeffe took up permanent residence there. More than almost any of her other works, these early New Mexico landscapes and still lifes have come to represent her unique gifts. The rich texture of the clouds and sky were similar to her earlier, more sensuous representations of flowers. But beneath these clouds one found the bleached bones of animals long gone.

Throughout the 1950s and 1960s, O’Keeffe’s fame continued to grow. She traveled around the world and had a number of major retrospectives in the U.S. The most important came in 1970 at the Whitney Museum of American Art, placing her categorically as one of the most important and influencial American painters. The next year O’Keeffe’s vision deteriorated dramatically, and she withdrew from artistic life. It was not until 1973, after meeting Juan Hamilton, a young ceramic artist, which she returned to working. With his encouragement and assistance, she resumed painting and sculpting. In 1976 her illustrated autobiography, GEORGIA O’KEEFFE was a best seller, and the next year she received the Medal of Freedom from President Gerald Ford.

In 1985 she received the Medal of the Arts from President Ronald Reagan. In March of the next year, at the age of 98, O’Keeffe passed away at St. Vincent’s Hospital in Santa Fe, New Mexico. Georgia O’Keeffe’s work remains a prominent part of major national and international museums. For many, her paintings represent the beginnings of a new American art free from the irony and cynicism of the late 20th century.

Fuente: http://www.pbs.org/wnet/americanmasters/episodes/georgia-okeeffe/about-the-painter/55/

http://chambersarchitects.com/blog.html

http://www.c-spanvideo.org/program/OKee

http://en.wikipedia.org/wiki/Georgia_O'Keeffe

http://puppypaths.blogspot.com.es/2012/09/ghost-ranch-part-2.html

http://the-inner-art.blogspot.com.es/2012/01/las-flores-de-georgia-okeeffe.html

http://oswearnotbythemoon.blogspot.com.es/2012/12/georgia-okeeffes-studio.html
http://charlotteminty.blogspot.com.es/2012/02/georgia-okeeffes-ghost-ranch-new-mexico.html
http://charlotteminty.blogspot.com.es/2012/02/georgia-okeeffes-ghost-ranch-new-mexico.html

http://www.barhopperchallenge.com/2012/01/georgia-okeeffe-maria-chabot-women-who-rode-way/

http://kaitlynfaebarrett.com/2011/04/17/sacred-southwest-georgia-okeeffes-ghost-ranch-and-the-chimayo-shrine/

https://www.artsy.net/artist/georgia-okeeffe

Los nidos de Tadashi Kawamata

Tadashi Kawamata

Nacido en 1953 en Hokkaido, Japón, actualmente vive y trabaja entre París y Tokio. Realiza instalaciones in situ, construidas en madera. Su trabajo no se limita a un estudio de arquitectura sino al contexto social en el que se presenta. Kawamata ha realizado numerosas exposiciones en Japón así como internacionalmente, y eventos mundiales como la Bienal de Venecia (1982), la Bienal Internacional de Sao Paulo (1987), la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon (1993) y la 4ª Bienal de Shanghai (2002).

El artista japonés asentado en París presentaba hace unos meses la instalación ‘Huts' como parte de la exposición ‘Carton Workshop' en el Centre Pompidou, con la que habitaba el célebre edificio con una serie de cabañas. La preparación de ésta intervención y suworkshop han dejado tras su paso una larga serie de maquetas en miniatura que datan un proceso de creación que culmina en enormes intervenciones creadas para un lugar específico.

LOS NIDOS DE KAWAMATA
Alberto García del Castillo

Tadashi Kawamata es un artista japonés, profesor de arte en Tokio y París, que desarrolla una pronta carrera participando, ya de joven, en la Bienal de Venecia en 1982. Su trabajo artístico propone monumentales instalaciones creadas específicamente para el espacio que habitan; ahora nos propone ‘Huts', dentro de la compleja intervención ‘Carton Workshop' en el Centre Pompidou, una intervención sobre las fachadas metálicas desnudas del centro e arte parisino.

Como nidos insertos en la estructura externa del edificio, Kawamata asegura que éstos "son huts, cabañas, refugios. Están en proceso de construcción. Habrá seis cuando la instalación esté terminada". Construyéndolos con tablones de madera y haciendo referencia a la cabaña original, al refugio primitivo o a la madriguera animal, el artista japonés se acerca a las proposiciones artísticas de autores del land art; rápidamente podemos sentirnos tentados a establecer la relación con los titánicos nidos de Nils Udo instalados en espacios naturales. En cambio, en el caso de ‘Huts' ha de ser tenida en cuenta la dimensión urbana y pública del espacio intervenido, haciendo ingresar en su propuesta consideraciones sociales en una reeinterpretación de las construcciones precarias que son el abrigo de muchos en las grandes urbes deshumanizadas.

Al mismo tiempo, Kawamata propone un workshop de construcción con cartón en la Galerie des enfants, donde los niños que visiten el centro de arte contemporáneo será instados a elevar estructuras partiendo de este material. Todo ello nos leva a pensar la exposición en su conjunto como una instalación a gran escala que intenta mover los límites de un espacio previamente definido dentro de la ciudad de París. 

Tadashi Kawamata, Le Passage des Chaises II, 2007, Work in situ. Sillas de madera, Vista de la instalación, Reims, 2007 / © Tadashi Kawamata, © Foto: Andreas Pluskota / Cortesía del artista y kamel Mennour, Paris

"Sillas para Abu Dhabi" es un espacio contemplativo, un espacio para la narración de cuentos, debates y talleres. La propia zona interior será un animado y mutable espacio decorado con amplios cojines para que las personas la libertad de moverse y organizar como deseen, para las distintas actividades. En los períodos intermedios, será un lugar para que las personas se reúnen, descansar y conocer más sobre la artesanía y el diseño aprenden a través de una colección de libros y revistas disponibles.

Tadashi Kawamata, Le Passage des Chaises II, 2007, Work in situ. Sillas de madera, Vista de la instalación, Reims, 2007 / © Tadashi Kawamata, © Foto: Andreas Pluskota / Cortesía del artista y kamel Mennour, Paris

http://kulturaurbana.com/los-preparativos-del-artistadh/

http://www.a-zlezingen.be/en/projects/tadashi-kawamata-j

http://myriammahiques.blogspot.com.es/2010/12/selection-of-pictures-of-tadashi.html

http://tochoocho.blogspot.com.es/2013/02/tadashi-kawamata-1953-tree-huts-cabanas.html

http://islamicartsmagazine.com/magazine/view/an_art_work_of_hundreds_of_chairs_begins_creation_this_week_for_abu

Cabaña y naturaleza: una estructura elemental arquetípica del ser humano. Una exploración de Ellie Davies

La inquietante simbiosis perdida del ser humano con la naturaleza

Ellie Davies
The Dwellings

The Dwellings series explores the artist’s changing relationship to built structures within the forest landscape, developing on previous work to examine the notion that we use landscape to find a sense of our own identity. Landscape can be seen as a cultural construct, obscured by layers of meaning that reflect our own cultural preoccupations and anxieties. Can we learn about ourselves by considering how we have come to see and make landscapes, as a result of our material needs, and the way this has shaped our relationships with the land?

The woodland Dwellings are made using a variety of traditional and improvised building techniques and created from materials gathered from the forest floor. Once completed, the structures function as signifiers of a creative process in which the artist inscribes and places herself temporarily and non-invasively within the forest landscape. These nest-like structures, reminiscent of the fairytale hovel, are a form of mark-making and explore the process of building in order to provide shelter, sanctuary, seclusion, and play.

The creation of each Dwelling illicits a childhood pleasure in building and making. The process ties the artist to the structure with a familiarity derived from being its creator, and brings with it a sense of ownership and territory; but this relationship is short-lived.

After a period of time each structure is revisited and photographed. The Dwellings take on their own personal identity, presence and potential, becoming inexplicably transformed into something independent from the creator, perhaps lonely, sometimes melancholy, and alien to the maker. Each has existed in the woods over a prolonged period of time, evading destruction, remaining in wait, possibly used by others. While some still seem newly made, others have begun to disintegrate and loose their form and function, the delineation between the structure and the woodland beginning to blur. 

Any sense of ownership ceases to exist when construction of the Dwelling is completed; it then becomes part of the forest, and an entity in its own right. During the period of absence it is transformed into a shrine or totem of a past activity, and in doing so takes on a subtly threatening otherness in its vacancy; a persona that is both disturbing and intriguing to its creator.

Ellie Davies

Moradas

La serie Moradas explora la relación cambiante entre el artista y las estructuras construidas dentro del paisaje forestal, del desarrollo de trabajos anteriores para examinar la noción del uso que hacemos del paisaje para encontrar un sentido a nuestra propia identidad. El paisaje visto como una construcción cultural, oculto por capas de significado que reflejan nuestras propias preocupaciones culturales y ansiedades. ¿Podemos aprender de nosotros mismos, considerando cómo hemos llegado a ver y hacer paisajes, como resultado de nuestras necesidades materiales, y la forma en que esto ha dado forma a nuestra relación con la tierra? 

Las Moradas del bosque se hacen usando una variedad de construcciones tradicionales y de improvisadas técnicas creadas a partir de materiales recogidos del suelo del bosque. Una vez terminadas, la función de las estructuras como significantes de un proceso creativo en el que el artista inscribe y coloca temporalmente y de forma no invasiva en el paisaje forestal. Estas estructuras de nido, que recuerdan la cabaña de cuento de hadas, son una forma de marca de decisiones y de explorar procesos de construcción que tienen como fin el proporcionar refugio, santuario, aislamiento y juego. 

La construcción de cada Morada proporciona un placer infantil en su hacer. El proceso vincula al artista en la estructura con la familiaridad que se deriva de ser su creador, y trae consigo un sentido de pertenencia y de territorio, aunque esta relación sea de corta duración. 

Después de un período de tiempo cada estructura es revisada y fotografiada. Las Moradas tienen su propia identidad personal, presencia y potencial, convirtiéndose inexplicablemente en algo independiente del creador, a veces de forma melancólica y ajena al constructor. Cada una ha existido en el bosque durante un período prolongado de tiempo, evitando su destrucción y posiblemente utilizada por otras personas. Aunque algunas parecen recién hechas, otras han comenzado a desintegrarse y perder su forma y función, la delimitación entre su estructura y el bosque ha empezado a desdibujarse. 

Cualquier sentido de propiedad no solo deja de existir cuando se terminó la construcción de la Morada, sino que se convierte en parte del bosque, y una entidad en sí misma. Durante el período de abandono se transforma en un santuario o totem de una actividad pasada, y al hacerlo, toma una otredad sutilmente siniestra a su ocupación de origen, algo que es a la vez inquietante y fascinante para su creador. 

Fuente: http://www.elliedavies.co.uk/images/the-dwellings/the-dwellings/

Las cabañas-nido del artista californiano Jayson Fann

Jayson Fann

Jayson Fann es un músico, artista visual, director, productor y consultor multicultural de artes. Jayson realiza, diseña y produce cientos de conciertos y programas educativos que celebran anualmente la diversidad cultural. Su trabajo le ha llevado por todo el mundo, muchas veces para dirigir una amplia gama de proyectos artísticos en Europa, África, Haití, Cuba y Brasil. Jayson ha enseñado y trabajado como consultor especial de la California State University Monterey Bay, la Universidad Estatal de San Francisco, el Instituto Esalen, Centro Internacional d'Ompio de Estudios Holísticos, así como muchas otras escuelas y centros de nivel internacional. Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones de prestigio como el London Guardian, BBC, San Francisco Chronicle, New York Times, la revista Conde Naste Travel Europea, Sunset Magazine y muchos otros en todo el mundo.

Jayson, realiza, diseña y produce cientos de conciertos y programas educativos anuales. Jayson aporta su experiencia en Pan African artes visuales y la música, con un énfasis en el folklore afro cubano, Jazz, Brasil, Ghana, y la música yoruba en la Producción Awakening Spirit. Jayson es el fundador y director de la Big Sur Spirit Garden, el Festival Internacional de las Artes Esalen y el Esemble Ashé. A través de estos diversos proyectos teje un rico tapiz de artistas dedicados a una visión común y un espíritu de unidad cultural cruzada. Jayson actualmente está de gira como percusionista del nigeriano cantautor Iyeoka Okoawo.

Jayson Fann Builds Giant Spirit Nests for Humans from Sustainably Harvested Wood
by Tafline Laylin

Jayson Fann builds giant spirit nests that are large enough to accommodate up to eight people. A California resident who helps to run the amazing Big Sur Spirit Garden along the Pacific Coast, Fann carefully harvests wood from local forests to build these amazing structures. Many days and hands are required to collect the requisite branches (without damaging trees), and many more to create the cozy, human-sized nests that are also structurally sound.

Fann prefers to use Eucalyptus branches because they are strong, flexible and last longer than other branches. He harvests them by cutting them off healthy trees, careful not to cause any damage. Then, using a machete, Fann strips the leaves off the branches and scatters them to avoid creating any kind of fire hazard. These branches are collected over a period of 3-4 days with helpers, and then piled into a trailer that hauls them to the site.

Creating a flowing organic form that is also structurally sound is one of the main challenges Fann faces when converting the branches into a human nest. He does this by bending the wood and using counter sunk screws, which are so hard to see that they don’t detract from the nests’ natural feel at all. Fann then builds a separate base that can withstand 2,000 pounds of wet wood and bodies! These are then lifted either by forklift or crane and then knitted together, after which Fann renders the interior comfortable with a woven mat and builds an access ladder.

These nests have been installed in a variety of locations and support the Big Sur Spirit Garden’s numerous art and culture activities.

+ Big Sur Spirit Garden

http://www.plataformaarquitectura.cl/category/ecologia/

http://inhabitat.com/jayson-fann-builds-giant-spirit-nests-for-humans/

http://bigsurspiritgarden.com/Spirit_Garden_/HowWeBuildNests.html

http://www.worldarchitecturenews.com/index.php?fuseaction=wanappln.showprojectbigimages&img=1&pro_id=20234

Cabaña, piedra a piedra, del poeta sueco John A Ekström

“Borgen Aftonfrid” (Rough translation is Castle of Evening Peace) in Sjölanda, Sweden. This house whas built by John A Ekström by and by as he collected stones during walks in the forest. He longed for a peacful place to write his poems about nature.

"Borgen Aftonfrid" (La traducción aproximada es el "Castillo de la paz de la noche") en Sjölanda, Suecia. Esta casa fue construida por John A Ekström mientras recogía piedras durante sus caminatas en el bosque. Anhelaba un lugar tranquilo para escribir sus poemas sobre la naturaleza.

http://pinterest.com/pin/82472236899231399/

Desprenderse de todo lo innecesario. También de la ciudad

MMOTHS single "Corazón", con imágenes de la película de 1970 "Zabriskie Point".

Estracto explosión película Zbriskie Point de Michelangelo Antonioni, 1970.

Sueños de ermitaño

Deseamos vivir en otro lado, dice Bachelard, lejos de la casa atestada, lejos de las preocupaciones de la ciudad. "¿Quién no ha soñado en la choza, quién no ha soñado en la cabaña del ermitaño?". Sin cabaña medianera: un refugio verdadero, un centro de soledad centrada. Imagen de una luz perdida en la noche, imagen primitiva, que sugiere confianza y despierta la ensoñación. Henry Thoreau, leo en La poética del espacio de Bachelard, escucha "el cuerno en el fondo de los bosques", un sonido tan amistoso como la "candela remota del ermitaño". El escritor decide habitar el bosque: intimidad condensada en una cabaña o cobertizo. Sueño de soledad y verticalidad protegidas.

(Andrea Villar en http://www.querespondaelviento.com.ar/secciones/caminar/notas/la-escena-de-la-escritura)

La "ilusión" de permanencia

La sustancia (de las cosas) no ofrece más que una "ilusión" de permanencia 

"Nos queda la tierra...". MONTE SOLO. Poesía cantada

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MONTE SOLO
Cantautores

Asociación cultural creada en Vera de Moncayo (Zaragoza) el 18 de agosto de 1.993, siendo sus primeros componentes el poeta José Antonio Rey del Corral, fallecido pocos años después, y los cantautores Pepe Gastón, Araceli Cereceda, José Luis Ochoa y Marisé Aguilar, a los que se unieron en distintos momentos Carlos Montull, Alicia Barbod, Carlos Ochoa, Arturo Hortas y otros, ya que se trata de un grupo abierto cuyos integrantes difícilmente coinciden todos en un escenario.También pertenecen al grupo rapsodas como Eduardo González, Emilio Gastón, Víctor Jerez, Geles Viñes y Julio Barbod, pues la finalidad de esta Asociación es la POESÍA CANTADA a la que tanto en sus grabaciones como en sus actuaciones en directo unen recitados con música propia de fondo.


José Antonio Rey del Corral definía al grupo Monte Solo con las siguientes palabras:“Monte Solo nombra una experiencia feliz: la de unos amigos –mujeres y hombres- a los que ha reunido el canto-palabra y música, dos lenguajes que vienen de antiguo y convergen en un pensamiento que siente y en un sentimiento reconocido... sus representaciones son múltiples como múltiples son los nombres que las designan, todas ellas igualmente hermosas bajo la bóveda que las cobija... se encuentra allí donde dos o más de dos se reúnan en la edificación de la alegría, signo de la comunicación. Monte Solo es una presencia real, una moción, un himno”.

Canción "Al pie del Moncayo"

(memoria rural de tiempos pasados):

http://www.zaragoza-ciudad.com/montesolo/